EL MAQUILLAJE

Maquillaje en las danzas y bailes tradicionales

Dentro de un contexto histórico el maquillaje ha sido un gran influyente medio de expresión para nuestros ancestros, ha estado en ritos espirituales, han representado jerarquías y ha sido un elemento clave para representar la cultura tradicional que ha sido heredada y expresada por ejemplo, en la danza.
Los colores, el trazo y los diseños llenos de materiales que resaltan la expresión del bailarín y su danza, son algunos de los elementos que vemos en el maquillaje.
Para el caso de los hombres, los elementos básicos son el rubor, el delineador y el iluminador.

Para las danzas de ascendencia africana

Aunque el color de las sombras es libre, también debe contrastar con el vestuario y el ritmo de la danza. Los ritmos africanos son de mucha energía y alegres y por ende son cálidos.
 

Para las danzas de ascendencia española
 
Al ser una danza que demuestra la elegancia, la pulcritud y los pasos de salón, -en su mayoría-, el maquillaje debe resaltar lo mismo. Para este caso los colores fríos como el negro y los tonos tierra como el café son los que más se utilizan.
Para estos dos tipos de maquillaje, el rubor es clave, para resaltar en el escenario las facciones de los danzantes.

Para las danzas indígenas.
Las figuras geométricas, los trazos gruesos, los dibujos de animales, el delineador y los colores fuertes son característicos de las danzas indígenas, ya que representan elementos de las danzas rituales.
Tanto los hombres como las mujeres llevan este maquillaje, la diferencia entre géneros radica en la jerarquía de la danza y en los elementos tradicionales que representan.

Para bailar salsa el rostro debe ser alegre y penetrante
Un ejemplo específico de maquillaje de baile tradicional es el de la salsa.
Su ritmo que tiene influencias cubanas, caribeñas y colombianas (latinas), es dinámico, alegre, rápido y marcado.
Por eso, tanto el vestuario como el maquillaje deben ser igual de coloridos y expresivos.
Para lograr que la mirada penetrante, y expresiva de las bailarinas, se vea a lo lejos del escenario, las sombras, el delineador negro y los labiales fuertes, son muy importantes para que el rostro no se opaque.


Recomendaciones:
• Tener en cuenta el lugar, el espacio y el tipo de presentación. Si es un show de mucha gente, el maquillaje debe estar  más exagerado. Las pestañas postizas, la escarcha, el rubor y las sombras deben estar más marcados.
• El color del maquillaje debe tener en cuenta el color del vestuario.
• Un maquillaje siempre debe ser original y aunque hay que mantener la esencia y el significado del maquillaje, hay que darle rienda suelta a la imaginación.
Aquí un par de ejemplos:
https://youtu.be/Iq-bnRPxUCY 

         LA ILUMINACIÓN ESCÉNICA           

http://es.slideshare.net/flacosta/la-iluminacin-escnica-10253197
URL Protegida

 

 

TIPOS DE ILUMINACIÓN

 

http://es.slideshare.net/paula_iglesias/tipos-de-iluminacion-y-tipos-de-plano
 
Natural: esta iluminación se realiza a partir de luz que proviene del sol, por lo que varía constantemente a causa de la rotación terrestre. En la luz natural la calidad, dirección, intensidad y color no puede ser controlada por el hombre y se ve determinada por las condiciones naturales. Con esta luz resulta más sencillo realizar tomas en exteriores y además, presentan la ventaja de poder complementarse con las luces artificiales.

Artificial: esta iluminación recurre a luz que proviene de objetos como el flash, lámparas o spots. En este caso, la dirección, el color, intensidad y calidad sí pueden ser manipuladas por el fotógrafo o iluminador. Requiere conocimientos técnicos y resulta mucho más costosa que el natural. Además de esto, la luz artificial limita el área en que pueden realizarse fotografías de acuerdo a su alcance.

De acuerdo a la ubicación de la fuente de luz:

Frontal: en esta el objeto se encuentra frente al motivo a fotografiar y a espaldas del fotógrafo. Las imágenes que se obtienen son planas, con escasa textura y con pocos espacios sombreados. Esto se debe a la cercanía que existe entre la toma de imágenes y la dirección en que incide la luz.

Lateral: en la iluminación lateral la fuente de luz se ubica al costado del objeto a fotografiar, a 90º de la línea imaginaria que se crea entre la cámara y dicho objeto. Con esta iluminación se obtienen imágenes con un costado altamente iluminado y el otro con una marcada sombra.

 Semi-lateral: en este caso, el objeto a fotografiar es iluminado en forma diagonal, es una iluminación intermedia entre la frontal y la lateral, formando un ángulo de 45º en relación a la línea que se produce entre el objeto y la cámara. Éste suele ser el más utilizado porque produce imágenes cuya textura y perspectiva quedan bien marcadas gracias a la sombra oblicua.

Contraluz: en este caso, la fuente de luz se ubica frente al fotógrafo y detrás del objeto a fotografiar, causando un efecto contrario al de la iluminación frontal. Por medio de esta iluminación se logran imágenes con elevado contraste y poco convencionales.

Semi-contraluz: con esta iluminación la luz recae sobre el objeto de manera intermedia a la lateral y el contraluz, conformando un ángulo de 135º. Esta iluminación también logra resaltar la perspectiva y textura, como en el caso de la semi-lateral. Su diferencia radica en que las sombras quedan proyectadas en los primeros planos y los cielos tienden a reproducirse blancos.

Cenital: en esta iluminación la fuente de luz se ubica arriba del objeto a fotografiar. Generalmente no se realiza de manera artificial en estudios, sino para exteriores, utilizando luz natural del mediodía. La imagen que produce presenta zonas con iluminación sumamente clara y sombras verticales muy marcadas.

De contrapicado: en este caso la luz va de abajo hacia arriba y su posición es prácticamente contraria a la cenital. Por medio de la iluminación de contrapicado se invierten las sombras del rostro, por ejemplo, por lo que se generan imágenes muy particulares, ideales para escenas de misterio o terror. 

TIPOS DE REFLECTORES

Los reflectores mas utilizados son:

LEKO

Reflector de tipo elipsoidal. Produce una luz dura y definida, es útil en la parte frontal, donde la luz no debe derramarse. Tiene un  portamicas donde se pueden colocar laminas con recortes para hacer efectos especiales y filtros de color. Posee un sistema de navajas para dar formas definidas recortando la luz.

DIRECCIÓN DE LA LUZ

CONTRALUZ

Se produce cuando la fuente  de la luz esta detrás del objeto iluminado y el espectador solo puede ver su silueta.

LATERAL

La fuente de luz esta colocada a los lados del escenario, ya sean en lo alto,  a un nivel medio, o aun nivel de piso. Es muy útil para definir los cuerpos.

CENITAL

De arriba hacia abajo. Se crean sombras grandes dando un efecto dramático. Su nombre proviene del punto celeste denominado «cenit» y que es perpendicular a cualquier punto de la tierra.

FRONTAL
Se ilumina al actor, de frente y de arriba hacia abajo. Normalmente se combina con otras posiciones
ya que la luz frontal tiende a quitar profundidad a la escena.

ILUMINACIÓN TEATRAL
Forma parte importante de las artes y técnicas que se usan como complemento de la danza.

Es un esfuerzo a lo que se quiere transmitir en una coreografía, creando ambientes y atmósferas que provocan sentimientos y emociones en el espectador.


LUZ / COLOR
El color se da a través de filtros (laminillas de vidrio óptico o de gelatina plástica) que se colocan en los reflectores.

Los colores de acuerdo a su temperatura, los podemos clasificar en cálidos que abarcan toda la gama del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul al verde.

Equipo

Entre los equipos de luz podemos distinguir dos clases: 

1. Equipo para la iluminación general: incluye las diablas, la batería, los varales, secciones, cajas u olivettes y "rifles", que dan una luz difusa. 

2. Equipo para luz concentrada o dirigida: reflectores o spots de los diversos tamaños e intensidad.

Los colores básicos para utilizar en las diablas, la batería y varales, son: blanco, rojo o ámbar y azul. Existen las micas o geles de muchos colores, que pueden cambiarse en las lámparas para que la luz sea de otro color o se puedan hacer mezclas de colores. Todo el equipo de iluminación se maneja en la cabina con un aparato que puede ser un tablero o consola y que permite controlar la intensidad de las luces a través de dimmers. Esto permite también que la luz no se prenda y se apague bruscamente, sino poco a poco.

TORRES: se colocan entre las piernas (en las calles), a los lados del escenario. Pueden ir al nivel del piso, en pedestales, o a la altura de las varas. Su mayor utilidad es en la danza.

PUENTES: son parrillas colgadas del techo en la sala, fuera del escenario.

LUZ / MOVIMIENTO
LUZ / INTENSIDAD
El cambio de la lámpara de gas a la luz eléctrica, gracias al invento de Thomas Alva Edison, significo un cambio radical en la forma de hacer teatro. La Opera de Paris y el Teatro Savoy de Londres fueron los primeros en utilizar la luz eléctrica. En 1970 se empiezan a utilizar los tableros de control computarizados. El desarrollo de la iluminación teatral, de basa en el control de las propiedades de la luz: intensidad, color, forma, distribución y movimiento.

VARAS: Como su nombre lo indica, son varas de metal que se encuentran suspendidas sobre el escenario.

VARAS LATERALES: son instalaciones fijas a los lados del proscenio o en las paredes de la sala.

TABLERO O MESA DE CONTROL
Desde el tablero, el operador puede manejar, ya sea de manera independiente o de manera conjunta a través de un canal master, la intensidad de los reflectores.

DIMMER
Es un dispositivo que funciona como regulador de voltaje.  Aquí se conectan todas las luces y el dimmer a su vez se conecta al tablero de control.

PANORAMA
Son lámparas con un reflector parabólico que producen una luz muy brillante y concentrada pero no permiten ningún control sobre el ángulo o el contorno de su haz. Se utilizan para la iluminación muy general, principalmente del fondo o del ciclorama.

DIABLA O BATERÍA
Es una tira de luces en batería. Su uso mas común es de fondo o iluminación del ciclorama, principalmente de arriba hacia abajo. Luz suave y difusa.

FRESNE
Luz difusa. Es pequeño, ligero y fácil de manejar. Puede llevar viseras en su boca para evitar fugas de luz.

PASILLO HUILENSE

Pasillo a alfonso lopez pumarejo 
en ritmo de pasillo huilense

                   

Las mujeres inician marcando pasillo con el pie izquierdo en el puesto, mientras que los hombres en 12 tiempos se dirigen hacia ellas en línea en marcación de pasillo, luego se devuelven y llegan nuevamente a su posición inicial.

Las mujeres en 10 tiempos se dirigen hacia ellos en línea en marcación de pasillo, luego se devuelven y llegan nuevamente a su posición inicial.

Los hombres y las mujeres se desplazan en 4 tiempos hacia el centro del escenario en marcación de pasillo.

Estando frente a frente inician codos por derecha, luego se dirigen a la posición inicial en línea recta en marcación de pasillo, los hombres y las mujeres girando por su izquierda.

Siguiendo la marcación los Hombres y las mujeres de dirigen a el centro del escenario  toman posicion de valceo, y marcan 4 tiempos en el puesto.

Terminados los 4 tiempos en el puesto la pareja 1 y 3 se desplazan en valseo con giro hacia la derecha por derecha y la pareja 2 y 4 hacia la izquierda por derecha en 4 tiempos.

Llegando a el puesto las parejas marcan cuatro tiempos en posición de valseo.

Las parejas se desplazan en valceo un puesto hacia la derecha en cuatro tiempos,formando una cruz y repitiendo el valseo un puesto a la derecha llegan las parejas 4 y 2 en frente, 3 y 1 atrás, valsean en el puesto y rematan con giro las mujeres.

Se desplazan en paso de pasillo intercaladas las parejas formando una diagonal, luego valseando y de la misma manera forman una horizontal.

Marcando en el puesto y luego del cambio las parejas 3 y 4 se desplazan en giro hacia arriba en la parte de frente a el publico,igualmente la pareja 1 y 2 hacia abajo del escenario en 4 tiempos, repiten la figura llegando a la horizontal y la repiten llegando a la posición anterior y las mujeres rematan con giro dándole la espalda a el publico.

En 4 tiempos las parejas realizan coqueteo por derecha e izquierda intentando el hombre decirle algo al oído de la mujer alinean las parejas,se disponen a hacer ochos, las mujeres giran por derecha haciendo un circulo hacia el frente del publico en 6 tiempos,mientras los hombres giran en sentido contrario los hombres del frente se encuentran con las mujeres de atrás y realizan codos, siguendo la respectiva figura los hombres de la parte de adelante se encuentran con las mujeres del frente y realizan codos en cuatro tiempos, mientras los hombres de atrás realizan codos con las mujeres de atrás del escenario al terminar las mujeres rematan con giro.

Las parejas Inician desplazamiento en circulo por la derecha del publico con el pie derecho, Avanzan en 14 tiempos hasta llegar a la posición inicial de la figura.

Marcan con derecha en 4 tiempos en el puesto posicion de valseo inician desplazamiento en valseo con giro por la derecha en 4 tiempos intercambiando posición con la pareja de atras, se devuelven del mismo modo hasta llegar al puesto marcan en posición de valseo 2 tiempos y la mujer remata con giro por dentro.

Las pareja 3 y la pareja 2 se desplazan valseando horizontalmente a la mirada del publico,mientras que las parejas 4 y 1 valcean en el puesto todo esto en 8 tiempos.

Llegando al otro lado las parejas 3 y 2 valcean mientras las parejas 4 y 1 se desplazan horizontalmente en 8 tiempos, llegando a el puesto las mujeres rematan con giro.

 Formando 2 verticales, valsean en el puesto en  4 tiempos, las parejas 3 y 1 hacen desplazamiento con giro hacia abajo del escenario mientras las parejas 4 y 2 hacen desplazamiento con giro hacia arriba(publico) marcando tres veces en el puesto posicion de valseo, en la cuarta marcación se devuelven de la misma manera, llegando a el puesto las mujeres y los hombres cambian de posición bailando,en ese momento las mujeres rematan con giro por dentro y terminan la coreografia.

PLANIMETRIA 
SANJUANERO TOLIMENSE

COREOGRAFIA

COREOGRAFÍA 

Estructura de movimientos que se van sucediendo unos a otros, al ritmo de una danza en particular, que puede ser interpretada a través de los movimientos corporales por una o más personas.

PLANIMETRÍA: Figuras y movimientos distribuidos en un espacio.

PLANIGRAFÍA: Formas y desplazamientos en un escenario.

ESTERIOMETRÍA: Volumen del cuerpo en un espacio.

·         Italiano: Es el modelo más extendido, con un solo frente en forma de herradura (el público está frente al escenario, existiendo una división entre el público y los actores). 

·         Isabelino: Tuvo su origen en el teatro isabelino inglés, del que recibe su nombre.

·         Arena: El público se sitúa alrededor del escenario; puede ser cuadrado o circular.

CARACTERÍSTICAS 

• En la danza el bailarín no se ve obligado a imitar una acción o a contar una historia, su trayectoria no se inscribe dentro de la lógica de un relato o narración. 
• El bailarín es él mismo (contrariamente al actor que siempre es otro) 
• El bailarín deja ver las formas y patrones de sus movimientos y revela su técnica. 
• El espectador se siente atraído por la intensidad energética del cuerpo. 
• La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios.
• Incluso una acción tan normal como el caminar se realiza en la danza de una forma establecida, en círculos, en un ritmo concreto, o dentro de un contexto especial. Cada grupo de movimientos en un tiempo musical es una frase. 
• La danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos, como en el ballet y la danza folclórica; o puede utilizar gestos simbólicos o mimo, como en las numerosas formas de danza asiática, o bien, pueden buscar un movimiento y un lenguaje más dependiente de sus creadores, como en el caso de la danza contemporánea. 
• La danza busca el movimiento por sí mismo y como derivación de la música. En la danza se disuelve el conflicto y el personaje.

                                        Empírico 

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 BAILARÍN ➨    ➼Academia=Estudio Técnico

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                                 Experiencia de formación

FORMACIÓN : ➨ Conocimiento➨ forma ➨ Experiencia

TIPOS DE COREOGRAFÍA 

• Monóloga: esta depende de una sola persona, puede ser instruida por otra pero la que lo lleva al escenario es que danzara. Es una de las coreografías minorías de entre las modernas y se aplican a base de las obras literarias, óperas... Estas no estructuran danza moderna grupal.
• Grupal: esta es la danza mas usada en todo el mundo. Estas se construyen por el llamado coreógrafo quien corrige los movimientos que se actuarán, los grupos coreógrafos son de 6 a 10 personas.
• Distributiva: esta es muy utilizada en estas épocas. En esta recurre un división mientras que las otras personas bailan, el principal hace actos pero vuelve a recurrir a ellos, se pueden dividir entre las personas por ejemplo: el principal danza igual que 5 personas colocadas atrás, mientras que 2 al lado del principal danzan igual entre ellos pero diferente a los otros.
• Principal: el bailarín va hacia la persona principal pero también dirigido hacia los bailarines.
• Folklórica: esta es la mas usada entre los pueblos rurales en la que destacan los bailes o danzas culturales sembradas en un país.

Expresiva: es aquella en el que recurren muy pocas expresiones interjectivas y mucha danza.


CARACTERISTICAS COREOGRAFICAS

  A lo largo de todas las épocas, la danza ha sido un aspecto importante de todas las culturas. Entre las culturas primitivas, el baile fue una de las formas principales de expresión social y ritual religioso. Los hombres y las mujeres bailaban para ganarse los favores de los dioses, quienes proporcionaban el alimento, el refugio, la salud y la seguridad. Bailaban para expresar su alegría en los nacimientos, su felicidad en el amor, su valor en la guerra y su tristeza frente a la muerte.


El baile está lleno de posibilidades expresivas, físicas, emocionales y de movimiento, y tiene asociado un carácter distensionador, agradable y sociabilizante. El grado de motivación que despiertan las actividades con este carácter debe ser aprovechado y explotado como medio optimo para la consecución de cualquier objetivo que nos propongamos desarrollar a través de él.
 

• La coreografía es de elaboración Professional, pero manteniendo la esencia Folklórica del paso básico tradicional.
  
• No posee coreografía ni música propias, sino adaptadas a partir de las anteriores.
  
• Las coreografías pueden tener o no tener argumento.
  
• Son interpretadas en escenarios Pre-establecidos como: teatros, festivales, etc.
  
• Se baila de forma independiente o de formación de filas paralelas o calle.
  
• Su ritmo musical.
  
  
  
  APORTE SOBRE LAS DANZAS 
  
  
   
  Danza Tradicional-Folclórica
  
  
  Se configura a partir del patrimonio cultural de una sociedad o grupo social. Suelen tener sus antecedentes en las danzas primitivas. Conforman, en general, una coreografía que aúna a bastantes personas. Su nacimiento, normalmente, está relacionado con un hecho social, histórico o cultural.
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  Danzas étnicas
  
  
  Poseen un bagaje, un patrimonio de muchos años de existencia. Son la expresión propia de grandes áreas geográficas naturales del planeta, que coinciden con rasgos raciales característicos de las personas que han poblado esas zonas.
  
  
  
  
  
  
  
  Danzas africanas
  
  
  Poseen las siguientes características: Improvisación, imitación de animales o elementos del entorno natural. Los movimientos suelen ir del centro del cuerpo hacia fuera, el cuerpo suele buscar diversas inclinaciones y el cuerpo está bastante descubierto, los pies siempre descalzos y la vestimenta se centra en lugares concretos del cuerpo. Los ritmos suelen ser muy marcados.
  
  
  
  
  
  
  
   Danza-jazz y sus raíces étnicas
  
  
  Adaptación de los estilos étnicos, sigue la improvisación pero con una composición predeterminada. De esta manera pasa a tener un origen folclórico, mezcla de danzas sociales occidentales y étnicas de otras civilizaciones, a un sentido eminentemente escénico.
  
  
  Danza clásica, académica o ballet
  
  
  El ballet es la forma clásica suprema de baile en el mundo occidental. Los orígenes del ballet propiamente dicho se remontan al siglo XV, en la Italia renacentista, los tratados de danza de los maestros en este arte, dejaron sentado los principios básicos de la composición coreográfica. Según Bulnes, se puede dividir en:
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
    
  Danza contemporánea
  
  
  Es la danza de mayor actualidad, por diversas que sean las técnicas y orientaciones coreográficas, gira alrededor de la esencia de la danza. Destaca la implicación y la relación a diversos niveles de los que bailan, ya que no son meros ejecutores de aquellos movimientos que se les han impuesto, hay una cierta libertad en la ejecución e ideación de los movimientos. Se utiliza el espacio en todas sus variedades y posibilidades y existe música y acompañamiento sonoro variado y diversificado. A nivel de técnica se trabaja basándose en la danza clásica. Se establece una relación con el público, no se le considera como mero espectador, sino que se puede optar por incitar diversos tipos de reacciones o emociones.
  
  
  
  
  
  Danza moderna
  
  
      Surgió como reacción opuesta y como necesidad de búsqueda de nuevas formas de expresión artística. Iniciada por Isadora Duncan como reacción a las rígidas normas técnicas de la danza clásica. Pretende liberarse de todos los cánones establecidos y dejar al cuerpo que se exprese libremente. Derivada de la danza-jazz, pretende aportar un mayor trabajo técnico corporal y coreográfico.
  
  
  
  

  DERECHOS DE AUTOR

  
  

  DERECHOS DE AUTOR

  
  

  ¿Qué se entiende por autor?

  
  

  Es la persona natural que crea una obra. Aquella que realiza una labor intelectual y que efectivamente expresa y materializa sus ideas.     

  
  

  ¿Qué es obra?

  
  

  Es la creación intelectual original de una persona natural en el campo literario o artístico, susceptible de ser reproducida o divulgada; por ejemplo:

  libros, monografías, programas de computador, pinturas y audiovisuales, entre otros.

  
  

  ¿Qué es el derecho de autor?

  
  

  Es un conjunto de normas encaminado a proteger a los autores y a los titulares de obras. Concede a éstos la facultad de controlar todo lo relativo al uso o explotación de su obra.

  
  

  ¿Para qué sirve el derecho de autor?

  
  

  Otorga a los autores reconocimiento por sus obras y garantiza el control a los creadores y titulares sobre el uso de sus obras por cualquier medio, sin temor a que se realicen copias no autorizadas o actos de piratería.

  
  

  ¿Qué protege el derecho de autor?

  
  

  Todas las obras literarias y artísticas, cualquiera sea su destinación y el modo o forma en que se exprese. Así, el derecho de autor protege:

  
  

  - Libros, folletos y escritos.

  - Conferencias, alocuciones, sermones y otras obras de la misma naturaleza.

  - Obras musicales y dramáticas.

  - Coreografías y pantomimas.

  - Composiciones musicales con letra o sin ella.

  - Obras cinematográfi cas, a las cuales se asimilan las obras expresadas por   procedimiento análogo a la cinematografía, inclusive los

  videogramas.

  - Obras de dibujo, pintura, arquitectura, escultura, grabado, litografía.

  - Obras fotográfi cas a las cuales se asimila las expresadas porprocedimiento análogo a la fotografía.

  - Obras de arte aplicadas, ilustraciones, mapas, planos, croquis y obras plásticas relativas a la geografía, a la topografía, a la arquitectura o a las ciencias.

  - Programas de computador, bases de datos (siempre que haya originalidad en la disposición de sus contenidos) y creaciones multimedia (sus contenidos) y, en fin,

  toda producción del dominio literario o artístico que pueda reproducirse o defi nirse por cualquier forma de impresión o reproducción, por fonografía, radiotelefonía o cualquier

  otro medio conocido o por conocer.

  
  

  ¿Las ideas son protegidas por el derecho de autor?

  
  

  No. El derecho de autor solo protege las obras literarias y artísticas que, aún siendo manifestaciones del espíritu, son expresadas en determinada forma y pueden ser percibidas por los sentidos.

  
  

  ¿Cuáles son las características del derecho de autor?

  
  

  Es esencialmente individualista. El derecho sobre la obra surge del acto personal de la creación. La obra es parte de la personalidad del autor y permanece ligada a él a través de su vida.

  Contempla derechos económicos o patrimoniales (lucro) y morales (como el de paternidad). En Colombia, solo puede ser autor el indivi-

  duo y no una institución o una empresa.

  
  

  ¿Qué prerrogativas concede el derecho de autor?

  
  

  Este derecho concede al autor dos facultades: los derechos morales, que son de carácter personal, y los patrimoniales, referidos a la explotación de sus obras.

  
  

  ¿Qué es el derecho al arrepentimiento?

  
  

  Es el que tiene el autor de retirar la obra de circulación, o de suspender cualquier tipo de utilización, bien sea porque cambiaron sus opiniones y la obra ya no refl eja sus conceptos intelectuales o artísticos, porque quiere modificarla o porque desea que sea utilizada de distinta forma.

  
  

  ¿Qué puede ocurrir cuando el autor de una obra decide sacarla de circulación?

  
  

  El autor puede verse obligado a indemnizar al editor por las pérdidas sufridas como consecuencia de tal proceder. Cuando la obra sea anónima, el autor primero debe hacerse reconocer.

  
  

  ¿Qué es el derecho a la integridad de la obra?

  
  

  Es el derecho que tiene el autor de impedir cualquier deformación o mutilación de su obra, así como cualquier atentado a la misma que perjudique su honor o reputación, puesto que la personalidad y la reputación del autor están íntimamente vinculadas a ésta. También se da la vulneración cuando la obra se demerita.

  
  

  ¿Qué es conservar la obra inédita?

  
  

  Es la potestad que tiene el autor de no divulgar su obra, de impedir el conocimiento de la misma por parte de terceros.

  
  

  Cuando un autor modifica su obra,¿el editor puede reclamar?

  
  

  No se le puede impedir al autor que modifi que su obra pero, si la obra ya fue publicada, el editor puede exigir al autor el reconocimiento de perjuicios que con la modificación se generaron.